Echando la mirada atrás en el tiempo, podemos deducir que los primeros productores de imágenes aparecen junto con el surgimiento del arte, con el desarrollo de la capacidad simbólica, en el paleolítico medio o superior según el enfoque, aunque todavía no se tuviera noción de ello (Campàs i Montaner, 2019b). La primera evidencia de artistas mediante el autorretrato, las huellas de sus manos, ya podemos encontrarlo en las cuevas de Altamira en el Paleolítico hace más de 20000 años (Museo del Prado, 2016)(Redacción, 2019). En el antiguo Egipto no había vocablo para artista ni arte. Sí para artesano, pero quedaban englobados entre otros trabajos manuales. En cambio, en las antiguas civilizaciones griega y romana sí existían las figuras del artesano-artista. Ocupando un lugar bajo de la escala social excepto algunas excepciones. En la Edad Media, surge el término “artífice” y se diferencia del de artista. En el Renacimiento se sientan las actuales ideas de artista que seguían sin escindirse del término artesano, y tuvieron que pasar varios siglos para adoptar la idea de genio y talento. Todas estas concepciones tenían sus peculiaridades y no se ajustan a lo que actualmente podemos entender por artesano o artista, ya que ha habido una progresión en los medios y las técnicas, en las visiones y representaciones acerca de la realidad. Hasta mediados del siglo XVIII no se realiza la fractura actual entre el término de artista y artesano y la construcción del actual sistema de Bellas Artes (Campàs i Montaner, 2019b).

En Occidente, la formación de los artistas se concibe de una forma más intelectual mediante el estudio y las explicaciones (Thomas, 1986). Se valora más en ellos la creatividad y no tanto el perfeccionismo técnico. 

Por contra, la percepción de artista en Oriente, queda más ligada a los principios de la naturaleza y de la filosofía zen. Se tratan de culturas más jerarquizadas en las que se aprende visualmente por imitación y repetición de los ejercicios del maestro, con mucha disciplina y perfeccionismo técnico (Thomas, 1986). Una vez que se ha automatizado completamente la técnica, a través de las grietas de la mímesis se llega a la creatividad (Ledderose, 2000). Un artista es aquel que puede demostrar su técnica más tradicionalmente pura, un artesano que desempeña su oficio y a la vez plasma según su propia sensibilidad. De todas formas, disponemos de menos información al haber sido invisibilizadas las artes orientales a lo largo de los siglos y al sesgo cultural del que disponemos al estar inmersos en la propia cultura (Elkins, 2002). A mi parecer las escuelas o maestros son útiles aunque no imprescindibles para aprender, y sobre esa base de conocimiento podemos construir nuestra propia voz.

Vemos que entonces la cultura, el arte, la técnica y la artesanía están íntimamente relacionados. Los objetos técnicos con los que establecemos relaciones a la hora de la creación artística forman parte de la realidad humana y por tanto de la cultura (Simondon, 2008). 

Como artista del pasado he escogido a Tàpies. Después de barajar varios artistas, he conseguido recabar información suficiente para poder hacerme a la idea de su postura. En una entrevista del año 1985 nos cuenta que el arte tiene mucho de artesanal (Rtve, 1985), por lo que relaciona el concepto de artista con el de artesano. Se ve a sí mismo como un aficionado, ya que nunca para de aprender, no se puede llegar al conocimiento completo, pero es un método para conocer la realidad y nuestra existencia, y que se encuentra muy ligada a la filosofía y la religión. El artista según su visión, tiene como misión plasmar lo sagrado de la realidad, y que va en consonancia en cierta forma con esa mezcla que se produce en el arte primero (lalululaTV, 2019) y con la postura más espiritual-religiosa de artista (Shiner, 2004b)(Campàs i Montaner, 2019a). También, con respecto al compromiso político en el arte, piensa que no sirve de mucho y que el artista debe de dedicarse a temas menos concretos y tener un conocimiento profundo de la realidad, junto con la ciencia y la filosofía, siempre teniendo como base cierta estructura (Rtve, 1985). 

Mi posicionamiento como profesional es que la persona artista es aquella que descubre y construye la realidad (Lamazares, 1993). Tiene como tarea imaginar nuevas realidades, el compromiso social y la transformación, que localmente puede conseguirse (Elkins, 2002). Centrarnos más en el proceso creativo, fluir con lo que surge en el entorno (López-Aparicio, 2016), aprovechar las indeterminaciones del proceso para hacer aparecer lo inesperado y la importancia del juego (Tàpies i Puig, 1967). Es importante abrazar el valor de la humildad, esos ojos de aprendiz, ya que de esa forma no damos nada por sentado, estamos más abiertos a lo que puede ofrecernos el entorno y establecer relaciones más simétricas que nos permitirán mediante el conocimiento y el afecto (Lamazares, 1993) construir para transformar la sociedad.  

A través del autorretrato de los artistas, sus firmas e incluso sus propios apellidos (Rtve, 1985)(Tápies i Puig, 1970), conocemos más sobre la persona que refleja, cada cual tiene una motivación para realizar esa obra de arte y decirnos lo que decide sobre sí misma. Debemos de tener educada esa sensibilidad, como en cualquier otra pieza para poder percibirlo (Rtve, 1985). Aquí cobra importancia el público objetivo al que va dirigido, ya que es importante la educación que el espectador y cada colectivo haya recibido (Campàs i Montaner, 2019a). Queda así desfasada la visión vasariana de que el arte evoluciona hacia una mayor mímesis (UOC – Universitat Oberta de Catalunya, 2017). 

El género del retrato por considerarse de un estrato inferior a tipologías más altas en la jerarquía pictórica ha sido más reservado tradicionalmente a las mujeres. En estos niveles ellas no tendrían que pelear por el éxito frente a los hombres además de que en algunos casos ciertas temáticas les quedaban prohibidas (Museo del Prado, 2016), esto es: en aquellos momentos en los que el sujeto subalterno se ha convertido una amenaza para la pérdida de derechos se produce una resistencia, que se convierte en rechazo (Méndez Baiges, 2014)(Shiner, 2004a), donde se hace visible estas relaciones desiguales mediante la infantilización, la condescendencia y la diferencia de derechos (Shiner, 2014)(Museo del Prado, 2016) . Así, algunas de ellas trataron de adaptarse plasmando valores que la sociedad esperaba de ellas, como medio de adaptación y subsistencia en la profesión: la austeridad, el honor y la decencia. Este es el caso de “Autorretrato” de 1554 de Sofonisba Anguissola (Museo del Prado, 2016) (Wikipedia, s.f.1). Otras, por el contrario, usaron el autorretrato como declaración de intenciones, como puede verse en el autorretrato de 1896 de Frances Benjamin Johnston (Museo del Prado, 2016) (Wikipedia, s.f.2). 

En cualquier caso, y a modo general, revisando el listado de autorretratos propuestos en la actividad pienso que todos los autorretratos plasman una mirada particular hacia la realidad y la vida (Abramović, 2010)(Tápies i Puig, 1952). En ocasiones también reflejan su profesión, estilo de vida y clase social (Labille-Guiard, 1785)(Van Gogh, 1889). Todos los elementos que decidimos incluir relatan quiénes somos. Y paralelamente, hay artistas que comenzaron con los autorretratos por la simple razón de que era el medio más económico de practicar (Rtve, 1985).  

Esta forma de darse a conocer también influye en cómo nos hemos percibido a nosotros mismos como artistas o cómo nos han percibido. Las personas artistas, han llegado a asumir su camino como separados de la masa en algunas épocas: del monje del arte o elevado a lo sobrehumano como dioses o demonios. Mientras que en otras, han pertenecido en general a estratos sociales bajos como unos trabajadores más, aunque algunos tuvieron la suerte de gozar de privilegios (Shiner, 2004b). 

Tanto el concepto de artista como otros afines, como el de artesano, productor de imágenes, trabajador de oficios y artífice entre otros, se han influido y mezclado a lo largo de los siglos junto con la evolución de las lenguas y el cambio en los contextos sociopolíticos y culturales. Sus cargos y posiciones en la sociedad han ido variando, así como la percepción de su imagen por su entorno contemporáneo (Campàs i Montaner, 2019a)(Shiner, 2004b). En cada cultura las ideas de artista y artesano guardan unos matices distintos. Opino que en este respecto surgen más preguntas que respuestas, ya que cada persona puede tener una definición de lo que es una persona artista, no se trata de un concepto universal, por tanto. Habrá tantas versiones como personas. Y con el paso del tiempo, la experiencia y la influencia de otros conocimientos, estas ideas pueden cambiar (Rtve, 1985)(Tápies i Puig, 1970). Validar unas sobre otras niega la pluralidad y nos quedamos con el academicismo, lo establecido, el sesgo y nuestra zona de confort. 

Me quedo con la reflexión de que el artista, a pesar de ese estereotipo contemporáneo academicista más superficial de originalidad, imaginación, personalidad, estilo y nomadismo solo se debe a la realidad que construye, a lo que acontece, lo anónimo, rescata las voces que el poder trata de ocultar y lo colectivo (Tàpies i Puig, 1970)(Campàs i Montaner, 2019a).

Referentes teóricos y visuales

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Campàs Montaner, J. [Joan] (2019b). La construcción del conocimiento en historia del arte. Disponible en: http://cvapp.uoc.edu.eu1.proxy.openathens.net/autors/MostraPDFMaterialAction.do?id=236447.

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